Ce qui est bien quand on va voir un film de Quentin Dupieux, c’est qu’il n’y a pas de surprise : on sait d’avance qu’on va être… surpris. Et cette fois encore, avec L’accident de piano, la promesse est tenue, avec une précision chirurgicale et une cruauté jubilatoire.
L’accident de piano s’inscrit dans une continuité presque naturelle de l’œuvre de Dupieux. Depuis ses débuts, chacun de ses films est traversé par une ironie tenace, ce regard tordu mais lucide sur les absurdités contemporaines. Du minimalisme pince-sans-rire de Yannick à l’expérimentation joyeusement chaotique et surréaliste de Daaaaaalí !, jusqu’à la satire au scalpel avec Le deuxième acte, Dupieux n’a jamais cessé de décortiquer les ego, les systèmes et les simulacres avec un sourire en coin.
Ses précédents films reposaient sur une posture d’observateur narquois, disséquant les vanités du théâtre et du cinéma, ces mondes qui tournent souvent à vide sous couvert de grandeur artistique. Cette fois, il affine la lame plutôt que de la faire tournoyer.
L’accident de piano conserve cette veine satirique mais la rend étonnamment lisible : pas de spirale absurde, pas de puzzle conceptuel. Le récit trace une ligne droite, presque classique. Ce choix de simplicité ne dilue pas l’ironie corrosive : il la rend plus frontale, plus sèche, presque cruelle.
Au centre de ce cyclone se trouve Magalie, incarnée par Adèle Exarchopoulos, influenceuse star qui a bâti sa fortune sur des vidéos choc, absurdes et dangereuses. Lorsque l’une d’elles tourne au drame, elle se retire dans un chalet de montagne avec son assistant pour « faire une pause ».
Une satire qui lacère : Spielberg? Connais pas!
À travers Magalie, ou « Magaloche », il dessine une caricature parfaitement crédible de notre époque : belle et laide à la fois, adulée malgré sa vacuité, redoutable dans son indifférence. Elle ne prêche aucune idéologie ; elle vend le vide. Et dans un geste d’ironie glaciale, Dupieux lui prête sa propre posture d’artiste : refus des interviews, mépris du discours critique, conviction que « l’art », ou ce qui en tient lieu, n’a pas besoin d’être expliqué.
Le film agit comme une machine à broyer les illusions. Dupieux aligne une galerie de figures pathétiques : star exécrable, assistant docile, fans lobotomisés, journaliste carriériste — et personne n’échappe à son regard acéré. Pas même le spectateur, complice de cette économie de l’attention qui avale tout.
Le dialogue le plus marquant le résume parfaitement :
— « C’est qui Spielberg ? » demande Magalie, blasée.
— « Un mec qui faisait des films avant », répond sa coiffeuse/maquilleuse.
Une époque s’efface. Une autre s’installe, faite de formats courts, de mémoire jetable et d’algorithmes souverains.
La douceur évaporée
Cette mécanique, Dupieux la filme avec un cynisme décomplexé. L’accident de piano est une démonstration clinique d’un monde où la viralité a remplacé le sens. Et tout le monde y participe — les personnages, bien sûr, mais aussi le spectateur, qui rit de ce dont il est complice.
Côté interprétation, les acteurs se coulent parfaitement dans ce cirque grinçant. Exarchopoulos est remarquable dans sa mue grotesque et glaçante. Sandrine Kiberlain, Jérôme Commandeur et Karim Leklou s’amusent, eux aussi, à flirter avec le ridicule, embrassant cette absurdité avec une jubilation communicative. Comme toujours chez Dupieux, le casting est au service d’un geste : pousser le réel jusqu’à sa propre caricature.
L’accident de piano marque une étape importante dans la filmographie du réalisateur. Non pas parce qu’il rompt avec son style, mais parce qu’il en condense la substance. Moins joueur, plus frontal, il clôt un cycle sur l’art et le spectacle en renvoyant un miroir froid et poli au spectateur. Un miroir dans lequel on ne voit pas Magalie, mais nous-mêmes, scrollant avec application pendant que la culture se dissout dans le flux.
Et si vous vous demandez ce que fait un film de Dupieux sur Horreur Québec, la réponse est simple : sa place est parfaitement justifiée. Après tout, l’horreur et la noirceur au cinéma ne se résument pas aux monstres et au sang, mais à la façon dont une œuvre expose nos peurs collectives — sociales, culturelles, existentielles.
Un film sec, lucide et brutal, qui n’a pas besoin de séduire pour frapper juste.
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